Alle Songs der Guardians of the Galaxy-Soundtracks, bewertet

Nov 10, 2023

Von Rolling Stone

Ein Rip Van Winkle, der 1980 einschlief und 2014 aufwachte, wäre vielleicht überrascht gewesen, als er herausfand, dass die 14-Jährigen in Amerika immer noch irgendwie auf Superhits der Siebziger wie „Escape (The Piña Colada Song)“ und „Come“ standen und erhalte deine Liebe. In diesem Sommer erschien Guardians of the Galaxy: Awesome Mix Vol. 1 war das erste Soundtrack-Album mit zuvor veröffentlichten Songs, das es an die Spitze der Billboard 200-Alben-Charts schaffte, dank der mal witzigen, mal ergreifenden, immer liebevoll wiederkehrenden Verwendung von Pop-, Rock- und Soul-Klassikern aus dem Ruhm des Films Tage des AM-Radio-Goldes. Das Awesome Mixtape reichte von „I Want You Back“ der Jackson 5 über „Moonage Daydream“ von David Bowie, „Come and Get Your Love“ von Redbone bis hin zu „Ain't No Mountain High Enough“ von Marvin Gaye und Tammi Terrell. Der zweite Guardians-Soundtrack aus dem Jahr 2017 war genauso gut, hervorgehoben durch Fleetwood Mac, Glen Campbell, Looking Glass und eine der besten Balladen des Soul-Stars Sam Cooke.

Im dritten Guardians-Film stößt unser Held Star-Lord auf einen Microsoft Zune-Player, ein Artefakt aus dem frühen 21. Jahrhundert, das einen historisch vielfältigeren Soundtrack ermöglicht. Wie Guardians-Regisseur James Gunn kürzlich dem Rolling Stone sagte, beschrieb er den neuen Film wie folgt: „Er beginnt nicht mit ‚Come and Get Your Love‘.“ Es beginnt mit Radioheads Akustikversion von „Creep“. Und das ist einfach von Anfang an ein ganz anderer Ton als bei den anderen beiden Filmen.“

Um all die großartige Musik in diesen Filmen zu würdigen, haben wir unsere endgültige Rangliste aller Songs der drei Guardians of the Galaxy-Soundtracks erstellt. Das Kriterium war einfach: Wenn der Song wahnsinnig großartig ist, steht er ganz oben auf der Liste; Wenn es nur sehr großartig ist, geht es etwas weiter nach unten, wobei das Ende der Liste mit Liedern von mäßiger bis geringer Großartigkeit aufgefüllt wird. Wie der stets weise Drax einmal sagte: „Es gibt zwei Arten von Wesen im Universum: diejenigen, die tanzen, und diejenigen, die nicht tanzen.“

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Als Kind, das in den 1970er Jahren aufwuchs, liebte James Gunn, Regisseur von „Guardians of the Galaxy“, die Disco-Version des „Star Wars“-Themas, das 1977 die Charts anführte. Er und der „Guardians“-Komponist Tyler Bates griffen diese Stimmung mit ihrer Disco-Version des „Guardians of the Galaxy“-Themas auf. und sie haben die Knight-Rider- und Baywatch-Legende David Hasselhoff dazu gebracht, in dem kitschigen Video aufzutreten, das sie dafür gemacht haben. –JD

Die Mowgli-Single „San Francisco“ aus dem Jahr 2012 ist einer der neueren Tracks, die auf jedem Guardians-Soundtrack zu finden sind. Sie ist ein klirrender, mitreißender Scheunenbrenner, der in seiner Energie so ansteckend ist, dass es nicht mehr als ein paar „doo doo doos“ braucht ein Haken. Die zeitweise neunköpfige Band schrieb das Lied in einer Nacht in einem Motelzimmer. Glückliche Nachbarn. —CP

Obwohl dieser Song des J-Pop-Komponisten EHAMIC (richtiger Name: Mikito Ehara) aus dem Jahr 2018 stammt, passen seine Vintage-Komponenten perfekt zum Retro-Vibe von Guardians. Die Percussion, das Gitarrenriff und der flotte Gesang klingen wie etwas, das direkt aus dem Soundtrack eines verrückten Monsterfilms aus den Sechzigern stammt; die Basslinie hat ein Disco-Pochen; und es gibt einen elektronischen Aufbau, der eine Muzak-Version von „White Lines“ von Grandmaster Flash sein könnte. –JG

Das Chicagoer Rocktrio Aliotta Haynes Jeremiah hat immer behauptet, dass „Lake Shore Drive“ nur von der Erhabenheit der berühmten Nord-Süd-Durchgangsstraße ihrer Heimatstadt inspiriert sei und nicht von deren Akronym „Nudge-Nudge-Augenzwinkern“. Die Liedtexte untermauern dies tatsächlich, ebenso wie die Open-Road-Sprung der Musik. Kein Wunder, dass Star-Lord es für die erste Startszene in „Guardians Vol.“ ins Kassettendeck gesteckt hat. 2. – CP

Die bahnbrechende Single der Bay Area-Hybriden Faith No More ist ein spuckender Spott über die eigennützige Großartigkeit von Wohltätigkeitsveranstaltungen von Popstars aus den Achtzigern wie Live Aid und „We Are the World“. Während „Care“-Sänger Chuck Mosley die Band 1988 verließ, bleiben der markante Bass und die beunruhigenden Synthesizer des Stücks – sowie seine augenrollende Haltung gegenüber der blitzsauberen Massenkultur – Markenzeichen der Faith No More-Ästhetik. „Es ist in vielerlei Hinsicht eine völlig andere Band – ein völlig anderer Sänger, sie wird von einer Gruppe 21-jähriger Kinder gespielt, die sehr naiv sind, und man kann die Naivität in der Musik hören“, sagte Bassist Bill Gould in einem Interview Interview 2016. „In mancher Hinsicht ist es sehr primitiv, aber gleichzeitig ist es interessant für Leute, die Faith No More jetzt kennen.“ —MJ

„I'm Always Chasing Rainbows“, ein Varieté-Standard, der erstmals 1917 veröffentlicht wurde, hatte 1918 einen großen Erfolg für Charles W. Harrison, wurde 1946 für Perry Como in die Charts aufgenommen, erhielt unter anderem von Julie Andrews und Judy Garland originalgetreue Interpretationen und wurde schließlich erfolgreich von einer lüsternen Alice Cooper auf seinem zweiten Solo, der LP „Alice Cooper Goes to Hell“, in Stücke gerissen. Es ist immer noch ein rührseliges Mitsingen wie eh und je, aber Coopers Version macht deutlich, was für ein absoluter Wermutstropfen die Texte sind. —CP

Während der Refrain dieses Titels der britischen Post-Punker The The aus dem Jahr 1983 von mutigem Mut geprägt ist, beschreiben seine Verse die Art lähmender Depression, die nur aus einem Leben resultieren kann, das von enttäuschten Erwartungen geprägt ist. Das weinerliche Akkordeon und die funkelnden Synthesizer, gepaart mit der bissigen Interpretation der Strophen von Sänger Matt Johnson, machen „This Is the Day“ zu einem idealen Bezugspunkt für „Modern Rock“, den klugen Hybrid aus Post-Punk, Synthpop und musikalischen Kuriositäten, der vorherrschte Amerikas linke Playlists bis in die frühen Neunziger. —MJ

Diese Aufnahme aus dem Jahr 1976 vereint die dramatischen Streicher und saftigen Gitarren des Country-Pops der goldenen Ära mit einem druckvollen Refrain direkt aus der Glam-Abteilung eines Plattenladens und war der einzige Billboard Hot 100-Hit der Band Silver aus Los Angeles. (Es hatte den Midas-Touch von Clive Davis, der den Track als Chef von Silvers Label Arista mitproduzierte.) Der Comic-Actionszenen-taugliche Refrain machte „Wham Bam“ zu einer inspirierten Wahl als Soundtrack für einen Teil von „Guardians of“. Die Höhepunkt-Kampfsequenz des Galaxy 2 sorgt für ein wenig Leichtigkeit, bevor die ernsthafte Action einsetzt. –MJ

In den dritten Guardians-Soundtrack hat James Gunn mehrere Melodien aufgenommen, die den eindeutigen Beweis dafür liefern, dass er in den 1980er Jahren aufs College ging. Hier ist eine davon: „Poor Girl“ ist ein zarter Moment aus ihrem Album „More Fun in the New World“ aus dem Jahr 1983 und wahrscheinlich die bessere Wahl für einen Superheldenfilm als andere X-Klassiker wie „Sex and Dying in High Society“ oder „Johnny Hit and Run Pauline“. –JD

Der Ohrwurm „Come a Little Bit Closer“ aus dem Jahr 1964 ist einer der älteren Songs im Kanon der Guardians. Geschrieben von Tommy Boyce und Bobby Hart, ist es ein leicht lateinamerikanisches Liedchen über einen Kerl in einer mexikanischen Cantina, der wider besseres Wissen beschließt, mit einem Mädchen zu tanzen, das er gerade erst kennengelernt hat, doch plötzlich taucht ihr Freund José auf, unzufrieden mit der Situation . In Bd. 2 ist der Soundtrack zu einem Jailbreak, bei dem der Weltraumpirat Yondu Dutzende von Feinden ermordet, einen nach dem anderen, mit einem Pfeil, den er mit seiner Stimme steuert, und einer großen roten Flosse auf seinem Kopf. Die Kombination aus einem lustigen, wegwerfbaren alten Popsong mit gruseliger Gewalt fühlt sich eher nach Tarantino als nach einem Sommer-Blockbuster an. –JG

Es macht Sinn, dass Marvels abgefahrenstes Franchise irgendwann seinen Weg zu den Fahnenträgern der Post-Millennial-Pop-Psychedelia finden würde. Immer noch der bewegendste Einzelsong der Flaming Lips: „Do You Realize??“ findet inmitten der weitläufigen Science-Fiction-Wunderwelt etwas Menschliches und Zeitliches, wobei Wayne Coyne uns alle schüchtern daran erinnert, dass wir alle im Weltraum schweben, selbst wenn unsere Füße auf dem Boden stehen. —CP

Allen Toussaints Katalog als Produzent („Cissy Strut“ von den Meters, „Right Place, Wrong Time“ von Dr. John, „Lady Marmalade“ von Labelle) und Interpret gleichermaßen definiert New Orleans R&B. Aber während „Southern Nights“, der Titelsong von Toussaints Album von 1975, eine verschwommene Schönheit bleibt, ist das nicht die dauerhafte Version. Das gehörte Glen Campbell, der 1977 die Dunkelheit beseitigte, das Tempo beschleunigte, eine Slide-Gitarre auflegte, sie auf Platz eins der Country- und Pop-Songs brachte und Toussaint einen Preis der Country Music Association für den Song des Jahres einbrachte. —MM

„Hooked on a Feeling“ wurde von Mark James geschrieben (zu dessen Credits auch Elvis Presleys letzte Nummer Eins, „Suspicious Minds“ gehört), und ursprünglich 1968–69 ein Hit für BJ Thomas coverten selbst eine Reggae-Version des Liedes von einer jamaikanischen Gruppe namens Twinkle Brothers aus dem Jahr 1971. Es wurde im Trailer zum ersten „Guardians“ verwendet, eine kleine Vertonung, die den Zuschauern klar machte, dass es sich um einen Marvel-Film handelte, der wie kein anderer zuvor klingen würde. –JG

Es besteht die Tendenz, „Creep“ als die Jugend des Radiohead-Katalogs zu betrachten – vor The Bends, vor dem „echten Zeug“. Aber das Gegenteil ist tatsächlich der Fall: „Creep“ ist ein erster Einblick in das volle Potenzial der Band, ein Durcheinander aus Kummer und Selbsthass mit Gitarren, die wie ein schmelzender Gletscher klingen. Die berühmte akustische Interpretation bringt den Track bis ins Mark und bringt Thom Yorkes Gesang mit verheerender Wirkung ins Rampenlicht. (Mit Yorkes apokalyptischem neunminütigem Remix aus dem Jahr 2021 können Sie es noch weiter dekonstruiert hören.) –CP

Cat Stevens‘ Generationsangst-Ballade untermalt die bewegende Schlussszene im zweiten „Guardians“-Film und trifft einen nostalgischen Höhepunkt für ältere Kinoabend-Betreuer, die als Kind mit den Kopien von „Tee für den Tillerman“ ihrer Eltern aufgewachsen sind. Stevens schrieb es für ein nie fertiggestelltes Musical namens Revolussia über die Russische Revolution, an dem er Ende der sechziger Jahre zu arbeiten begann; er sagte später, es spiegelte seine Beziehung zu seinem Vater wider. –JD

​​Als der ehemalige Argent-Gitarrist Russ Ballard „Since You Been Gone“ für „Winning“ aus dem Jahr 1976 aufnahm, hatte es alle Merkmale eines AOR-Juwels aus der Mitte der 1970er Jahre: einen Sha-la-la-tauglichen Refrain, sehnsüchtige Texte nach einer verlorenen Liebe, eine sanft verteilte Keyboardlinie, die im Mix vergraben ist. Drei Jahre später verliehen die von Ritchie Blackmore angeführten Rainbow ihrem Proto-Power-Metal-Sound nach dem Weggang des Gründungsmusikers Ronnie James Dio etwas Glanz, und ihre härtere Version von „Gone“ zeigte, wie leicht Pop in ihre Legierung passte , wobei der neue Sänger Graham Bonnet seine beeindruckenden Pfeifen zur Schau stellt und Blackmore ein sanft virtuoses Solo zum Besten gibt. —MJ

Spacehogs „In the Meantime“ bietet einen der Premierenauftakte des Alternative-Rock-Radios der 90er Jahre: ein sofort erkennbares Gitarrenfunkeln, ein phasenweiser Aufbau von Gitarre und Schlagzeug und dann eine heulende, wortlose Hookline. Die Band ist so ein One-Hit-Wonder, wie sie nur sein kann, aber auf eine sehr lässige Arty-Brit-Pop-Art; „In the Meantime“ enthält ein klassisches Sample des 1981 erschienenen Songs „Telephone & Rubber Band“ der englischen Avant-Pop-Minimalisten Penguin Cafe Orchestra. —CP

Obwohl der verstorbene Maurice White der Initiator, Anführer und Hauptproduzent der weitläufigen klassischen Funkband Earth, Wind & Fire war, stammten einige ihrer eindringlichsten Songs vom langjährigen Arrangeur und Co-Produzenten Charles Stepney, der 1976 starb. „You „Ich kann nicht über ‚Reasons‘, ‚That's the Way [of the World]‘ und viele andere Lieder sprechen, ohne Charles Stepney zu erwähnen“, sagte Philip Bailey 1986. „Weil viele dieser Melodien und Akkordwechsel direkt aus ihm kamen.“ Keller, auf einem Vierspurgerät. … Charles war einfach ein musikalisches Genie, das war er wirklich.“ Stepney hatte die elastische Melodie von „Reasons“ auf einem Mini-Moog-Synthesizer komponiert. Aber es war Baileys energische Darbietung in seinem glänzenden Falsett, die das Lied – dessen Text ironischerweise von einem One-Night-Stand handelt – zu einem Standard für Hochzeiten und Abschlussbälle machte. —MM

George Harrison landete den ersten Chartstürmer eines ehemaligen Beatles, als dieser göttlich inspirierte Ausschnitt aus seinem Meisterwerk „All Things Must Pass“ Ende 1970 auf Platz 1 der Billboard Hot 100 landete. Harrison begann mit dem Schreiben des Titels während einer Tournee mit dem Blues-Folk-Duo Delaney und Bonnie im Jahr 1969, das Konzept hinter seinen sehnsuchtsvollen Versen stammt aus einem Buch des indischen Mönchs Swami Vivekananda. „Er sagte: ‚Wenn es einen Gott gibt, müssen wir ihn sehen. Wenn es eine Seele gibt, müssen wir sie wahrnehmen“, sagte Harrison 1992 zu Timothy White von Billboard. „Sonst ist es besser, nicht zu glauben. Es ist besser, ein ausgesprochener Atheist zu sein als ein.“ Heuchler.' … Ich dachte: „Genau, das ist das Richtige für mich!“ Wenn es einen Gott gibt, möchte ich ihn sehen. —MJ

„Spirit in the Sky“ begann seinen Aufstieg als Folk-Demo des Songwriters Norman Greenbaum, erlangte aber im Studio Flügel, als Produzent Erik Jacobson es mit Percussion, Backing-Vocals und Greenbaums einzigartigem Telecaster-Sound aufbaute, der von einer eingebauten Fuzz-Einheit bereitgestellt wurde , wodurch ein sofort erkennbares Eröffnungsriff entsteht. Das Ergebnis war ein leicht psychedelischer Gospel-Rock-Song, geschrieben von einem Juden, inspiriert von seiner Liebe zu Western. Laut einem Rolling-Stone-Interview im Jahr 2020 bemerkte Greenbaum, dass er von mehreren Bestattungsunternehmen wusste, die es in der Werbung verwendeten. – JG

Der Raspberries-Hit „Go All the Way“ aus dem Jahr 1972 ist eine entwaffnende Power-Pop-Mischung und verbirgt einen mitreißenden, überraschend zustimmungsorientierten Refrain unter einer knackigen Außenhülle aus rechtschaffenen Proto-Garage-Riffs. Die in Cleveland ansässige Band erntete Zorn, weil sie in lilienweißen Smokings Rock im British-Invasion-Stil spielte, aber die Songs der Gruppe waren die beste Art von Pastiche und packten unzählige Einflüsse in etwas, das unmittelbar konsumierbar war. —CP

Die bahnbrechende Single von Florence + the Machine aus dem Jahr 2009, die im Soundtrack zu Vol. 1 erscheint. 3, ist eine eindringliche Hymne, die den furchterregenden Nervenkitzel einfängt, der in den Geist eindringt, wenn ein Traum wahr wird – und der jubelnde, mitschreiende Refrain stammt von Florence Welch, die durch London streift und sich von den Details ihrer Reisen inspirieren lässt. „‚Dog Days Are Over‘ wurde direkt von einer Kunstinstallation des Künstlers Ugo Rondinone inspiriert“, sagte Welch 2010 gegenüber ArtistDirect. „Er hat eine Kunstinstallation an der Seite dieser Galerie in New York, die nur sagt: ‚Verdammt, ja.‘ !' Ugo hatte an der Seite eines anderen Gebäudes eine Installation mit der Aufschrift „Dog Days Are Over“ angebracht. Das hat mich jedes Mal inspiriert, wenn ich mit dem Fahrrad über die Waterloo Bridge gefahren bin, und es hat im Grunde den Anstoß für den ganzen Song gegeben.“ —MJ

Looking Glass hat sich in der gleichen Clubszene an der Küste von Jersey einen Namen gemacht wie Bruce Springsteen. Nachdem sie die Band bei Epic Records unter Vertrag genommen hatten, schickte Labelchef Clive Davis sie nach Memphis, um mit der Stax/Volt-Legende Steve Cropper aufzunehmen. Als diese Sitzung nicht klappte, kehrten sie nach New York zurück, um „Brandy“ fertigzustellen. „Mir gefiel die Idee, eine ganze Geschichte in zwei Minuten und 59 Sekunden zu erzählen“, erinnert sich Looking Glass-Sänger und -Gitarrist Elliot Lurie. Er hat gute Arbeit geleistet und Generationen von Kneipen am Strand einen Seefahrtsklassiker geschenkt, den sie betrunken singen können, während die Emotionen gegen Feierabend stocken. –JD

Ein hart rockender Höhepunkt aus den frühen, widerwärtigen Jahren der Beasties – aus einer Zeit, an die man sich erinnern sollte, als viele Brooklyn nur als diesseits eines Hinterlandes betrachteten, im Gegensatz zum eleganten Hip Manhattan. Stattdessen feierten die Rapper sich selbst – „Niemals falschen Metal!“ schreien sie (selbst wenn das Video Poison- und Whitesnake-Ausschnitte parodiert), bevor Kerry King von Slayer ein krönendes Solo abliefert – auch wenn ihre übertriebene Persönlichkeit Mike D damals dazu verleiten würde, zuzugeben: „Ich glaube, wenn ich nicht bei den Beastie Boys wäre, Einiges davon würde ich auf jeden Fall hassen. —MM

„Die Melodie ist angenehm“, informiert Gamora Star-Lord, als er ihr „Fooled Around and Fell in Love“ spielt. Es ist wirklich. Elvin Bishop war ein erfahrener Bluesrocker, dessen Karriere bis in die Mitte der sechziger Jahre zurückreichte, als er in der Paul Butterfield Blues Band spielte. Da er wusste, dass er mit dem großartigen „Fooled Around and Fell in Love“ etwas Besonderes hatte, übergab er den Leadgesang an Sänger Mickey Thomas, da er befürchtete, dass seine eigene raue Stimme möglicherweise nicht zu einem so sanften Song passen würde. –JD

Gerade als das dritte Replacements-Album, Hootenanny, gemastert wurde, rief der Sänger und Songwriter der Band, Paul Westerberg, Manager Peter Jesperson an und sagte ihm: „Ich habe gerade den besten Song fertiggestellt, den ich je geschrieben habe. Wir müssen ihn aufnehmen.“ Jetzt." Es war zu spät, etwas zum fertigen Album hinzuzufügen, also war es der Dreh- und Angelpunkt des nächsten Albums, des meisterhaften Let It Be von 1984. Als Jesperson „I Will Dare“ zum ersten Mal hörte, hallte seine Reaktion – „Es war so sofort eingängig“, sagte er dem Replacements-Biografen Bob Mehr – bald im gesamten College-Radio-Untergrund wider, bevor sie sich in die größere Galaxie ausbreitete. —MM

Die halb mexikanischen, halb indianischen Brüder Pat und Lolly Vegas hatten lange vor der Gründung der Band Redbone einen faszinierenden musikalischen Hintergrund und spielten alles von Jazz über Surfmusik bis hin zu Rock'n'Roll-Session-Stücken aus den Sechzigern. Als Gruppe landeten sie nur einen bleibenden Hit, aber dieser ist so hoch wie der gleichnamige Baum: ein sofort ansprechender Klassiker des Call-and-Response-Woo-Pitchings. (Zwei Jahrzehnte später schlug die Eurodance-Gruppe Real McCoy mit einem ebenso niedlichen Synth-House-Remake auf.) Als Redbone das Lied im Midnight Special im Fernsehen aufführte, liefen sie dem Lied fast eine Minute lang indianischen Tanz vor, während die Vegas-Brüder darin auftraten voller Ornat. —MM.

Die Debütsingle der rein weiblichen LA-Band The Runaways, „Cherry Bomb“, warf eine rote Granate in die Welt des Power-Pops und Glamours der Siebziger. Sie folgte etwa einen Monat nach dem bahnbrechenden Song „Blitzkrieg Bop“ der Ramones und kündigte die explosionsartige Beliebtheit von Punk an um fast ein Jahr. Geschrieben von Joan Jett, einem der coolsten Rockstars aller Zeiten, und Runaways-Managerin Kim Fowley, einem der am wenigsten coolen Menschen in der Musikgeschichte, lief „Cherry Bomb“ tatsächlich am Set, als sich die Guardians auf ihren letzten Kampf mit Ronan the vorbereiteten Ankläger. –JG

Die Mitglieder von 10cc kamen Anfang der 1970er Jahre erstmals als Session-Musiker in Manchester, England, zusammen. „I'm Not in Love“ ist ungefähr so ​​sanft, wie Soft Rock es je gab, und gleitet auf nicht viel mehr als einem kleinen Fender-Klavier, einer Bassdrum, die auf einem Moog-Synthesizer gespielt wird, und den hauchenden, fast gespenstischen Stimmen der Gruppe. Sie nutzten Tape-Loops, um ihren subtilen Ahhs ein schillernd vielschichtiges, chorartiges Gefühl zu verleihen und so einen kunstvoll leichten Sound zu schaffen, der die raffinierten Ambient-Texturen von Bands wie Stereolab, Broadcast und Air um etwa zwei Jahrzehnte vorwegnahm. –JD

Selbst nach den Maßstäben der 1970er-Jahre waren The Sweet eine seltsame Band mit einer verwirrenden Diskographie und vielen US- und UK-Alben mit demselben Namen und unterschiedlichen Songs. Viele ihrer frühen Hits wurden von den Power-Pop-Experten Nicky Chinn und Mike Chapman geschrieben und richteten sich an die Glam-Fangemeinde. Andere Singles wurden von der Band selbst geschrieben, aber oft noch von Chinn und Chapman in einer härteren Ausrichtung produziert. Manchmal ging die Band auf Nummer sicher: Die Albumversion dieses Monsters von 1974 ist viel härter als die bekanntere Neuaufnahme von 1975, die einen inspiriert kitschigen Synthesizer-Einstieg, einen gummiartigeren Sound und weniger Gitarrensolos enthält. Beides ist großartig: Der süße Schlagzeuger Mick Tucker hat immer coole Parts geschaffen und die Texte handeln extrem von einem Groupie. –JG

Der unaufhörlich eingängige Reggae-Pop-Song „Escape (The Piña Colada Song)“ ist oberflächlich betrachtet dämlich und im Kern doch gänsehautromantisch und verdichtet den Höhepunkt der Siebziger und Achtziger in vier entspannten Minuten – schließen Sie die Augen und Sie können das sehen Tiffany-Lampen und Farne schmücken O'Malley's, die Bar, in der Rupert Holmes und sein über persönliche Anzeigen bezogene Korrespondenten ihr erstes Rendezvous vereinbaren. Der Briefschreiber trifft sich tatsächlich mit seiner Frau, was zu einer zotteligen Geschichte führt, die der Hit auf jeder wichtigen Party wäre. Holmes' verlegener Vortrag und die teppichdicke E-Gitarre sowie der jubelnde Refrain machen „Escape“ zu einer Quelle kitschiger Behaglichkeit, ideal für Star-Lord als Dekompressions-Soundtrack, während er die Rückkehr seines Walkmans schätzt im ersten Teil der Guardians. —MJ

David Bowie war in jeder Hinsicht ein Comic-Typ: Er mochte sie, schrieb einen und es wurden mehrere über ihn geschrieben. Und was ist Ziggy Stardust, wenn nicht ein lebender Comic-Held? „Moonage Daydream“ ist Bowies bester Weltraum-Kadettensong in einer Karriere, in der es nicht wenige gab. Er hat zwei Versionen dieses Klassikers geschnitten. Das erste ist ein vergleichsweise hartes Training mit einer Band namens Arnold Corns. Die letztere, bekanntere Version mit den Spiders From Mars hat alles: ein episches Eröffnungsriff, Klaviere und Akustikgitarren und gestapelte Streicher, Texte über elektrische Augen und Strahlenkanonen und ein Mick Ronson-Solo, das reine Sonneneruption ist. Es ist auch das perfekte Lied für den Soundtrack der Guardians-Helden, die in eine Bergbaukolonie fliegen, die um den riesigen Schädel eines Weltraumgottes herum gebaut ist. –JG

Um sich vor einem Showdown aufzumuntern und gleichzeitig den Gegner abzulenken, gibt es nichts Besseres, als den Soul-Pop-Hit „Ooh Child“ der Chicagoer Familienband Five Stairsteps aus dem Jahr 1970 zu spielen – und Star-Lord tut genau das, wenn konfrontiert mit Ronan dem Ankläger im ersten Teil der Guardians. Er hat sogar die passenden Bewegungen zu den entschlossenen Texten parat, die ihn dazu inspirieren, zu einem Tanztanz aufzurufen, der dazu führt, dass seine „große Scheißhaufenblüte“ eines Feindes seine Aufmerksamkeit ausreichend ablenkt. —MJ

„Crazy on You“ ist seit fast sechs Jahrzehnten ein fester Bestandteil des Rockradios und bewegt sich vom akustischen Vorspiel zur donnernden elektrischen Lust, einer mitreißenden Ode an jede Menge Sex vor der Abreise nach Vietnam oder als Sicherheitsventil für Teenager gegen das Chaos Gesellschaftlicher Umbruch der 1970er Jahre. Vor seiner Verwendung in Bd. 3 diente „Crazy“ seit den frühen 1980er-Jahren als Film- und TV-Soundtrack und steht überall für unaufhaltsames weibliches Verlangen, vom Kultfilm „American Pop“ von 1981 bis hin zu Sofia Coppolas atemberaubenden „The Virgin Suicides“ und natürlich „Harold und Kumar Go to White“. Schloss. –JG

​​„Das ist Sam Cooke … einer der größten Erdensänger aller Zeiten“, sagt Peter Quill zu Gamora, während er sie an sich zieht und ihr im ersten Guardians-Streifen das Konzept des Tanzens vorstellt. Auch wenn einige vielleicht über Quills Qualifikation streiten, steht Cooke doch ganz oben auf der Liste der Besten der Galaxie, wenn nicht sogar des Universums? – Es lässt sich nicht leugnen, dass das Gospel-angehauchte „Bring It on Home to Me“, das nur zwei Wochen, nachdem Cooke es im Frühjahr 1962 vor einer 18-köpfigen Begleitband aufgenommen hatte, veröffentlicht wurde, nach wie vor eines der erhabensten Popmusiker ist Beschreibungen von Sehnsüchten. —MJ

„Badlands“ ist ein Lied über Verzweiflung und Not, das so unaufhaltsam herzhungrig ist, dass es zu einer Hymne voller Entschlossenheit und trotz aller Widrigkeiten hoffender Hoffnung wird. Es eröffnet Bruce Springsteens viertes Album „Darkness on the Edge of Town“ mit Stevie Van von der E Street Band Zandt nannte es „eine Art Kriegerheldentum“. In „Badlands“ verlagerte Springsteen seinen Fokus weg von den Geschichten über Jersey-Kinder mit New-York-Träumen und hin zum amerikanischen Kernland – wo angeblich manchmal Kriegerhelden geboren werden. –JD

Marvin Gaye und Tammi Terrell klingen in diesem Song bereit, die Welt zu erobern, und das liegt nicht nur am Text – der Eifer in ihren Stimmen ist unwiderstehlich und überzeugend, angetrieben von einem der eindringlichsten Arrangements von Motown. Das Autorenehepaar Nickolas Ashford und Valerie Simpson war Experte für musikalisches Melodram – zum Beispiel die berauschende Mischung aus filmischen Akzenten und Gospel-Phrasierung –, aber der eigentliche Antrieb des Tracks kommt vom Bassisten James Jamerson. Er übernimmt vom ersten Takt an das Kommando und lässt nie locker, unermüdlich bereit, Sie ganz alleine über den Berg zu schieben. —MM

Für Vol. war es unmöglich. 2 hat eine Eröffnungsszene, die so überraschend und fröhlich ist wie Star-Lords Tanz um einen antiken Planeten zu den Klängen von Redbones „Come and Get Your Love“ im ersten Guardians-Streifen, aber mit ELOs herrlich sonnigem „Mr. Blue Sky“ als Kick aus Vol. 2 war ziemlich toll. Das Lied von 1977 hatte schon immer eine Atmosphäre eines Weltraumschülers: Jeff Lynnes flotter Text über nichts, dieser abgehackte Cellopart und ein Vocoder, der vom Mars herübergestrahlt wird. Dreizehnjährige, die Jeff Lynne nicht von Jeff Bezos kannten, wurden über Nacht zu ELO-Fans, als unsere Helden gegen riesige Monster kämpften und ein ahnungsloser Baby Groot sich seinen Weg durch Laserstrahlen und fliegende Tentakel bahnte. –JG

Die Prämisse, einen Marvel-Film mit klassischen Titeln zu füllen, hätte zu einer endlosen Reihe von „Das erkenne ich!“ führen können. Nadeltropfen. Stattdessen heben sie sich die großen Hits für den Fall auf, dass sie sie wirklich brauchen – wie zum Beispiel den Schlussgesang des ersten Films, in dem Baby Groot nach und nach dazu überredet wird, zum unsterblichen „I Want You Back“ der Jackson 5 mitzutanzen. Der Track bleibt von dieser Eröffnungskaskade an unbestreitbar, getragen von der besten Walking-Basslinie der Galaxis. —CP

Das kraftvolle Herzstück von Fleetwood Macs Meisterwerk „Rumours“ nahm ganz allmählich Gestalt an. „[Es] begann als ein Lied in Sausalito“, sagte Gitarristin und Sängerin Lindsey Buckingham 1977 zu Cameron Crowe vom Rolling Stone. „Wir entschieden, dass es eine Brücke brauchte, also schnitten wir eine Brücke und fügten sie in den Rest des Liedes ein. Wir.“ bekam keinen Gesang und beließ ihn lange Zeit in einer Reihe von Stücken. Es wäre fast vom Album gestrichen worden. Dann hörten wir noch einmal hin und kamen zu dem Schluss, dass uns die Bridge gefiel, aber der Rest des Liedes nicht. … Das Das Ende war das Einzige, was vom Originalstück übrig blieb. Am Ende nannten wir es „The Chain“, weil es aus vielen Teilen bestand.“ Aber es spiegelte perfekt eine Band wider, die sich bei der Entstehung des Albums fast selbst ruiniert hatte – und sich als Hymne romantischer Widerstandskraft behauptete. —MM

„Surrender“ ist eine hymnische Ode an das seltsame Chaos der 1970er Jahre und ein Schlachtruf, eine Absichtserklärung für jedes Kind der Generation X (und seine Eltern), das einfach ein bisschen seltsam wirkte. Nichts an den leicht kriegerischen Drums, noch am Gitarrenklirren und Synthie-Flimmern am Anfang bereitet einen auf Robin Zanders schlaues Geschrei darüber vor, wie seine Mutter ihm beibringt, sexuell übertragbare Krankheiten zu vermeiden. Der Refrain steigert sich zu einem großartigen Lebensratschlag aller Zeiten: „Surrender/But don't Give yourself weg.“ Es ist nicht nur die beste Single von Cheap Trick, sondern möglicherweise auch der beste Power-Pop-Song aller Zeiten. –JG

„Wir brauchen Hits und Verrücktheit“, erklärte George Clinton 1978 über das von ihm geleitete P-Funk-Imperium. „Die Verrücktheit gibt mehr Durchhaltevermögen. Wir müssen beide gegeneinander ausspielen, gewinnen und an der Spitze bleiben.“ Und der verrückteste P-Funk-Groove aller Zeiten bleibt „Flash Light“, das Bassmonster, das den Parliament-Klassiker von 1977 „Funkentelechy vs. the Placebo Syndrome“ abschloss, und, wie Clinton sagte, P-Funks „erster ernsthafter, bewusster Versuch, eine Hit-Single zu machen“. " Es ist auf jeden Fall gelungen – „Flash Light“ war 1978 sechs Wochen lang die Nummer eins in Billboards Soul-Charts, dank einer gestapelten, geschmolzenen Basslinie, gespielt vom Keyboarder Bernie Worrell auf seinem Moog-Synthesizer. —MM

Mitwirkende: Jon Dolan, Joe Gross, Maura Johnston, Michaelangelo Matos, Clayton Purdom